Mode francophone

Jocelyn Armel, styliste et sapeur originaire de RDC.

La mode francophone est l'ensemble des particularités vestimentaires des différentes cultures et pays qui constituent le monde francophone. Outre la France, qui est depuis plusieurs dizaines d'années, le chef de file mondial de l'économie de la mode et du luxe, des pays ou régions en Suisse, en Belgique, au Québec, au Sénégal, en Côte d'Ivoire, en république démocratique du Congo ou encore en Polynésie française se démarquent par leur créativité et leur valeur ajoutée dans ce secteur.

Définition

La mode francophone est définie par Sima Godfrey en 1997 comme l'ensemble des influences, des esthétiques et des matériaux utilisés par les créateurs francophones dans l'espace mondial partageant la langue française. Godfrey (1997) relie le stylisme et la haute couture francophones à plusieurs éléments artistiques, notamment français, comme la poésie et la peinture, dont la mode francophone s'inspire délibérément.

En dehors des pays et régions officiellement francophones, le stylisme francophone est identifié par ses influences historiques françaises, ses écoles de couture (comme l'ESMOD) et ses couturiers installés dans plusieurs pays.

Historique

Comme le détaille l'anthropologue Gilles Lipovetsky, l'apparition de la mode francophone s'observe spécifiquement par les différentiations sociales et sexuées, dans l'artisanat couturier de la fin du Moyen Âge en Europe de l'Ouest. Outre l'habit qui est une forme de représentation sociale à cette époque (XIV^e siècle), on^{[style à revoir]} y commence également à porter des parfums.

Article connexe : Histoire de la mode en France.

Inspirée par les us et coutumes de l'aristocratie et de la nouvelle bourgeoisie, l'habillage revêt une symbolique renouvelée à l'orée de la Renaissance, à laquelle les tailleurs suisses, français, savoyards et burgondes/belges ne sont pas étrangers. Il s'agit également de concurrencer l'influence flamande à partir du XVII^e siècle.

Avec le développement industriel des capitales et villes européennes au tournant du XIX^e siècle (métier Jacquard, industries textiles), l'accès facilité aux textiles bruts de toutes natures permet à la nouvelle classe bourgeoise de consommer des produits de luxe manufacturés. La haute couture se développe d'abord en France à partir du milieu du XIX^e siècle, grâce à l'Impératrice Eugénie qui encourage le couturier Charles Frederick Worth à s'établir à Paris. Ce dernier y fondera la première fédération de haute couture dans les années 1860.

Aux XIXe et XXe siècles, des courants européens de la mode ont profondément influencé des scènes locales africaines comme nord-américaines et caribéennes. Le mouvement de la Sape (ou Sapologie) au Congo (Kinshasa et Brazzaville) est issu du Dandysme, très couru dans l'Europe francophone des années folles. Les liens historiques coloniaux entre ces deux continents ont largement favorisé l'émergence de ce courant unique dans le monde de la mode. Au XXIe siècle, la Sape continue d'influencer en retour des créateurs africains issus de la diaspora, en Europe et dans d'autres pays francophones.

La culture esthétique nord-américaine francophone, quant à elle, est largement issue des canons français du XVIe au XVIIIe siècle, période après laquelle les colonies francophones d'Amériques du Nord ont peu à peu disparues pour laisser place à la formation d'états-nations. Au XVIIe siècle, la bourgeoisie et l'aristocratie locales (comme l'intendant Jean Talon) portent la perruque, la veste de brocart, la chemise à poignets garnis de dentelles abondantes et le jabot de dentelle, tout comme en France à la même époque. Les modes francophones européennes et de la Nouvelle-France vont ainsi se corréler à un an d'intervalle (suivant les livraisons par bateau) pendant plusieurs centaines d'années. Les colons et paysans portent des habits le plus souvent fabriqués par leurs soins, rappelant le style traditionnel de la campagne française, au moins jusqu'à la Guerre de la Conquête. Au tournant du XXe siècle, des artistes canadiens comme William Brymner, Frances Jones et Clarence Gagnon rapportent d'Europe de l'Ouest le mouvement impressionniste et notamment des peintures et photographies de la mode française de l'époque, participant à un renouveau des esthétiques vestimentaires au Québec, au Nouveau-Brunswick et en Ontario.

Dans le prêt à porter de la fin du XXe siècle, on observe plusieurs vagues «d'orientalisme» (style «ethnique») ou d'adaptation d'esthétiques africaines (Afrique de l'Ouest et centrale notamment) par les grandes maisons de l'industrie ; introduisant la notion d'ethnicité – ou de démarcation ethnique – dans la mode francophone.

Aujourd'hui, la création francophone est marquée par un éclatement sur cinq continents, mais également par une forte vitalité. Suite à une histoire et des échanges communs depuis l'ère coloniale puis l'ère industrielle, elle compte de nombreux talents d'origines et d'inspirations variées. On^[Qui ?] observe par exemple à présent des créations non-genrées en provenance du Québec, de Belgique ou de France, ou encore l'inclusion de produits biodégradables dans la mode. Des créateurs africains tels que Oumou Sy (Sénégal), Alphadi (Mauritanie), et Gilles Touré (Côte d'Ivoire) contribuent à la mode mondiale en créant des designs uniques et en mettant en avant l'artisanat local.

En 2020, le ministère français de la Culture publie un fascicule des termes professionnels principaux utilisés dans la profession.

Depuis les années 2010, des formations scolaires et professionnelles à distance existent au sein de l'espace francophone, définissant des liens, visions, apprentissages, valeurs et esthétiques communes, notamment insufflés par l'Institut français de la mode soutenu par les grandes entreprises du secteur.

Galerie chronologique

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  Homme du XIV^e siècle, Paris.

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  Le duc de Bourgogne, dans les Chroniques de Hainaut, actuelle Belgique, XIV^e siècle.

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  Costumes civils de la fin du XIV^e siècle, inspirés des tuniques antiques gréco-romaines, Paris.

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  Costumes des dames, des seigneurs et des paysans, XV^e siècle.

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  La mode est un élément essentiel pour les intrigantes de la cour de France, comme Agnès Sorel, XV^e siècle.

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  Louis XIV possédait environ 2 500 paires de chaussures ; vers 1670.

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  Costumes du XVIII^e siècle aux Fêtes de la Nouvelle-France, Québec.

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  Gallerie des Modes et Costumes Français. Petit-maître en chapeau à la Suisse « Kapsels en hoeden », XVIII^e siècle.

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  Paysanne du canton de Valais, Suisse, XIX^e siècle.

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  Costume bourgeois de Berne, Suisse, vers 1830.

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  Au XIX^e siècle, les ballets et pièces théâtrales sont des sources d'inspiration, de dessin et de diffusion de la mode.

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  Sissi, impératrice d'Autriche et reine de Hongrie, habillée par le couturier parisien Charles Frederick Worth.

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  Paysage de Tahiti sur un éventail signé Pierre Loti, début XX^e siècle.

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  Le cinéma est un véhicule majeur du design et de la mode ; ici Bérénice Bejo et Jean Dujardin entourés de l'équipe du film The Artist, 2011.

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  Sapeurs de Kinshasa, RDC. La mode francophone est depuis quelques années dynamisée par les designers et créateurs africains.

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  Les artistes sont souvent des influenceurs de mode, ici Pazzos Bi, musicien burundais dans le style reggae, 2020.

Pays

Les principaux pays de la mode francophone constituent, sur cinq continents, un ensemble culturellement disparate mais dont les influences croisées – depuis plusieurs siècles (colonisation, arts visuels, échanges commerciaux accrus, influences artistiques mutuelles, diasporas, etc.) peuvent constituer un groupe identifiable notamment à travers des usages, motifs, inspirations, échanges et liens entrepreneuriaux communs dans le domaine.

Nous^{[style à revoir]} présentons ci-dessous une liste alphabétique des pays francophones où la mode est un élément important de la culture d'un pays ou d'une région. Les éléments présentés sont susceptibles d'être repris dans d'autres pays francophones, contribuant à la singularité de cet ensemble artistique.

Belgique

La Belgique est connue pour sa scène de mode avant-gardiste. Des créateurs tels que Martin Margiela, Dries Van Noten et Raf Simons ont laissé une empreinte significative sur l'industrie de la mode occidentale. La mode belge est donc souvent caractérisée par son éclectisme, son expérimentation et son engagement envers la créativité. Les débuts de la mode belge durant la deuxième moitié du XIX^e siècle sont influencés par son industrie textile (tapisserie, transformation de matières premières importées, etc.).

Après une baisse temporaire des productions durant la Seconde Guerre mondiale, la création belge trouve un nouveau souffle notamment grâce à l'industrialisation du secteur, à une montée en gamme et en incluant des éléments artistiques dans la création textile, comme le surréalisme ou un esprit que l'on^{[style à revoir]} peut qualifier d'avant-gardiste, notamment grâce au groupe des Six d'Anvers.

Durant les années 1980 et 1990, les belges s'inspirent également des créateurs japonais, anglais et français. On^{[style à revoir]} pourra retenir les noms de Ann Salens ou Maggy Baum, représentatifs de ce courant. La décennie voit aussi la création de l’Institut du textile et de la confection de Belgique et de son concours de la Canette d’Or, rendez-vous important de la mode dans le pays. Sa première édition (1982) est remportée par Ann Demeulemeester.

Au XXI^e siècle, les stylistes francophones belges les plus influents incluent : Martin Margiela, Anthony Vaccarello, Véronique Leroy, Gerald Watelet, Olivier Theyskens, Véronique Branquinho et Elvis Pompilio.

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  Cape en fourrure des années 1950-1970, par le fourrier J. & F. Slachmuylder, Bruxelles

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  La dentelle est une spécialité textile belge

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  Ancienne usine textile de Pepinster

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  L'École nationale supérieure des arts visuels (ENSAV) de La Cambre

Canada

Le Canada francophone, hors-Québec, reste globalement sous-représenté dans le domaine de la mode. Les deux seules écoles nationales bilingues ou francophones dans ce secteur se trouvent à Montréal (LaSalle et UQAM) ; les créatrices et créateurs francophones hors-Québec doivent systématiquement passer par des infrastructures et événements anglophones, ce qui constitue un défaut majeur d'accès aux débouchés professionnels.

Une certaine Madame Martha tient son salon de couture et de vente au French Salon chez Simpson à Toronto dans les années 1930. Elle est l'une des rares francophones à concurrencer les produits européens au Canada à cette époque. La Seconde Guerre mondiale – et l'arrêt des importations d'Europe – est perçue comme une opportunité pour les créateurs canadiens de se faire un nom et de créer un marché d'exportation aux États-Unis. Ce marché ne se créera que plus tardivement, néanmoins les importations d'Asie et les copies bon marché de couturiers français poussent les canadiens à se porter de plus en plus sur le haut-de-gamme.

Parmi les créateurs franco-canadiens notables au XXI^e siècle, on^[Qui ?] note par exemple : la couturière Johanna Hannaford, la joaillière Nadine Deslauriers, la directrice de la Semaine de la mode de l'Alberta, Sandra Fernandez, toutes trois franco-manitobaines. Selon le témoignage de cette dernière, le plus grand défi pour les créateurs francophones dans l'Ouest du Canada est de faire prendre conscience au public et aux professionnels de la présence et du tissu industriel de la mode francophone, sans devoir s'expatrier dans un autre état ou pays.

Au XXI^e siècle, la mode canadienne est de plus en plus influencée par l'utilisation de matériaux renouvelables, voire biodégradables, dans le respect de l'environnement.

D'autres créateurs incluent : Ross Mayer (Ontario) et Martine Debregeas.

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  Les franco-manitobains peuvent également apporter l'influence historique des métis. Ici à la colonie de la Rivière Rouge (fin XIX^e siècle).

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  Habit de danse Nakoda, Musée royal de l'Ontario. L'art natif est une source inépuisable d'inspiration y compris pour les créateurs francophones.

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  Parkas, habits externe et interne de femme inuite, Baie d'Hudson, vers 1910

Côte d'Ivoire

Article connexe : Vêtements traditionnels de Côte d'Ivoire.

La Côte d'Ivoire est, de longue date, un pays à la créativité forte et aux influences diverses (tribus Krou, Akan, Mandé et Gour). Les tissus colorés tels que le wax et le pagne sont très populaires en Afrique francophone. Ces tissus sont souvent utilisés pour créer des tenues traditionnelles, mais sont également largement intégrés dans la mode contemporaine ivoirienne.

Au début des années 2020, le gouvernement ivoirien, par la voix de son premier ministre Patrick Achi, a réaffirmé son engagement à faire de son industrie de la mode et du design l’une des plus dynamiques du continent africain. Pour y parvenir, M. Achi cite notamment la baisse des coûts de production, la valorisation de l'ensemble la chaîne de la mode et du design – depuis la matière première, jusqu'à l'interface de distribution et de vente – et la création de plateformes physiques et numériques de rencontres et de vente de ces produits.

Parmi les nombreux noms du XXI^e siècle de la création ivoirienne, on^{[style à revoir]} citera : Lafalaise Dion, Ibrahim Fernandez, Loza Maléombho, mais aussi le joaillier AC by AC ou encore Pathé’O et Ciss St Moise.

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  Vendeuse de tissus wax à Assouindé, Côte d'Ivoire

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  Défilé Ethnik mode à Abidjan

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  Accessoires de modes vendus au Musée du costume de Grand-Bassam

France

Le style français est souvent associé à la simplicité et à l'élégance. Les Parisiens sont connus pour la création de visuels sophistiqués avec un minimum d'effort. Des pièces intemporelles comme la marinière, la redingote/trench-coat et les ballerines font partie intégrante du style français.

La mode français a très tôt eu un impact majeur en Europe, dépassant dès le Moyen Âge les frontières du royaume de France. Plus particulièrement, le style de Paris et de la région de la Loire est suivi, copié et modifié avec plus ou moins de régularité selon les époques et événements, notamment dans ce que sont l'actuelle Belgique, Allemagne, Luxembourg, Suisse, Italie, Espagne, Portugal, Autriche, Angleterre, Écosse, Pays-Bas, etc. Nous^[Qui ?] savons par exemple qu'au XVI^e siècle, le français Hugues Cousin est fourrier officiel de l'empereur Charles Quint du SERGe et qu'il nous laisse un livre-témoignage de son travail, couvrant les années 1549-1557.

Au XVII^e siècle, notamment pour concurrencer l'école flamande de tapisserie, la création d'ateliers comme la Manufacture des Gobelins ou celle de Sèvres contribue au rayonnement de la mode française et au maintien de son artisanat d'art, de la porcelaine aux vêtements en passant par les tapisseries. Dans sa pièce Le Sicilien, Molière fait dire à son héroïne, sur un ton que l'on^[Qui ?] pourrait qualifier de « publicitaire » : « Les Français ont quelque chose, en eux, de poli, de galant, que n’ont point les autres nations. »

Durant la Révolution française, la mode subit une mutation majeure, simplifiant les lignes « à l'antique » et faisant revenir le vêtement à une simplicité et un usage plus fonctionnel, selon les goûts, les événements et les moyens financiers du peuple. Malgré ces temps perturbés, des modes fantaisistes et créatives apparaissent, comme celui des Incroyables et Merveilleuses.

Depuis le milieu du XIX^e siècle, les grandes maisons françaises de la mode renouvellent les styles. La plus ancienne d'entre elles encore en activité, Lanvin, crée le « Vert Vélazquez », le « rose Polignac », ou encore le « Bleu Lanvin » ou « Bleu Quattrocento », un « morceau de ciel trempé dans un champ de lavande » inspiré des débuts de la renaissance italienne.

Article connexe : Fédération de la haute couture et de la mode.

La scène actuelle de la jeune création de mode en France est également dynamique avec plusieurs plateformes et créateurs émergents. Les défilés de la Semaine de la mode de Paris présentent non seulement les grandes maisons de couture, mais aussi de nouveaux talents qui apportent de la fraîcheur et de l'innovation à l'industrie.

Après la Seconde Guerre mondiale, l'expansion des maisons de mode françaises aux États-Unis (notamment à New York) continue à former le goût de la bourgeoisie américaine et à inspirer les créateurs locaux.

Depuis le tournant du XXI^e siècle, des influences diverses ont infusé le monde français de la mode, notamment en provenance de l'ancien empire colonial français ou encore d'expatriés asiatiques et européens. De plus, la présence de nombreuses entreprises familiales, patrimoniales et d'artisanat d'art dans la mode française en fait le pays moteur du secteur.

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  La mode est présente également dans la littérature, par exemple avec des personnages de dandys, comme Henri de Marsay de Balzac (1843)

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  Fondée en 1889, Lanvin est la plus ancienne maison de couture française encore en activité

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  Mannequins en Nina Ricci, 1972

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  Trois robes Yves Saint Laurent, inspirées par Henri Matisse (musée d'art moderne de Paris)

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  Boutique Cartier à Lisbonne, 2013

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  Boutique Givenchy à Hong Kong, 2021

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  Pendule signé Louis Montjoye, décoré de plaques de porcelaine de Sèvres, 1781

Liban

Le Liban est considéré, depuis la seconde moitié du XXe siècle, comme la «perle créatrice» du Moyen orient en terme de mode vestimentaire. Alliant influences ottomanes et françaises^{[réf. nécessaire]}, ses créateurs tels que Jacques Cassia, Joe Challita ou des modèles comme Andrée Acouri et Mona Yammine Ross sont des pionniers et passeurs de la mode francophone^{[réf. nécessaire]} au proche orient. Au XXIe siècle, des liens forts unissent encore la communauté créative de la mode libanaise (principalement à Beyrouth) avec la scène parisienne (Rabih Kayrouz, William Khoury, Karen Chekerdjian). Un des designers de mode libanais les plus connus est Elie Saab, dont le style est largement influencé par la mode francophone européenne^{[Quoi ?][source détournée]}.

Madagascar

Comme en Afrique de l'Ouest et en Afrique centrale, les tissus traditionnels tiennent une grande place dans la spécificité du stylisme malgache. L’industrie du textile (design, confection, transport...) occupe d'ailleurs une place importante dans l’économie Malgache, avec plus de 170 millions d'euros de chiffre d'affaires sur l'île en 2019. En fournissant une main d'œuvre concurrentielle pour des entreprises comme la SNCF, la Gendarmerie nationale ou encore le Groupe Socota, Chanel, Dior et Hermès, l'industrie textile malgache se place avantageusement en Afrique et dans l'océan Indien, mais sans toutefois concurrencer le Bangladesh, le Vietnam ou l'Inde. Le textile représente, en 2021, plus de 60 % des exports de Madagascar et contribue pour près de 20 % du PIB du pays.

Le lambamena est un tissu traditionnel de couleur rouge, en soie sauvage. Le Lambahoany est un paréo, particulièrement utilisé dans le sud de l'île. Le cuir est utilisé pour fabriquer des chapeaux masculins, appréciés dans les campagnes. La Malabary est une longue chemise d’origine indienne, devenue un vêtement de fête masculin sur les Hautes Terres.

Ce qui fait la particularité de l'artisanat d'art et du luxe malgache est une tendance à la récupération et à la transformation de matériaux naturels, comme le raphia, la corne, le coton ou encore le cuir. Parmi les créateurs de premier plan et utilisant ces matériaux au XXI^e siècle, on^[Qui ?] trouve Michela Ramitomboson, Monique Ramahay (qui habilla notamment les princesses Charlotte de Monaco et Charlotte de Cambridge), Joël Andrianomearisoa et Aina Rakotoarisoa.

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  Tissus lamba.

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  Artisanat malgache, dont des sacs Bertel.

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  Tenue paysanne, près de Fianarantsoa.

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  Des pères de familles portant le lamba.

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  Jeunes filles Vezo, v.1900.

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  Tenues traditionnelles, v.1910.

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  Création de la française Sandrine Dole, inspirée de matériaux malgaches récupérés : cuir, corne, raphia, coton ; produit à Madagascar.

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  Accessoires et sac bertel modernisé.

Polynésie

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  La «robe mission» fut imposée aux tahitiennes par des missionnaires européens à partir du XIXe siècle. Elle fait à présent partie des symboles vestimentaires de la Polynésie et est reprise notamment dans la mode européenne comme telle.

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  Le paréo est un élément central de la mode polynésienne, du nord au sud de l'Océan Pacifique, ici dans le tableau de Paul Gauguin : «Ou vas-tu? II»

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  Perles de culture de Polynésie

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  Les parures à base d'éléments naturels (fleurs, feuilles, coquillages, lianes, etc.) font partie intégrante de la mode polynésienne.

Québec

Le Québec, en tant que nation aux identités multiples, fait office d'exception dans le monde de la mode et sur le continent nord-américain. À la fois descendants directs de la mode française jusqu'à la fin du XVIII^e siècle, les créatrices et créateurs québécois sont aussi inspirés par la culture autochtone, présente depuis plusieurs milliers d'années, mais aussi par le marché anglophone états-unien.

Dans les années 1920, Ida Desmarais est une couturière reconnue qui fabrique des robes pour les Montréalaises. Puis Gaby Bernier et Marie-Paule Nolin se lancent dans les années 1930 et restent actives respectivement jusque dans les années 1950 et 1970. Cette dernière dirige un atelier d'une vingtaine de personnes. Malgré plusieurs talents locaux, les produits européens, et en particulier français, sont encore largement préférés à cette époque.

En 1954, l'Association des couturiers canadiens à Montréal est créée sous la direction de Raoul-Jean Fouré, couturier québécois dont l'influence et le marché dépassent alors largement les frontières du Québec. À la même époque apparaît Jacques de Montjoye, qui devient le représentant québécois le plus célèbre de sa génération. et marquent un nouveau départ, avec l'expo 67 et les stylistes Michel Robichaud et Marielle Fleury.

Parmi d'autres créateurs québécois, on peut^{[style à revoir]} citer : Léo Chevalier, John Warden, Philippe Dubuc, Marie Saint-Pierre ou encore Denis Gagnon. L'événement bi-annuel Sensation Mode, lors de la Semaine de la mode de Montréal, est une des plateformes majeures de la mode québécoise.

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  Pavillon de la mode de l'UQAM, Montréal, 2017

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  Musée de la mode - Montréal

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  Festival Mode & Design, Montréal, 2012

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  Robe par Marielle Fleury, 1969 (au Musée de la mode de Montréal)

République démocratique du Congo

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  Sapeurs à Kinshasa, 2015

Suisse

Grâce à une tradition séculaire d'échanges humains et commerciaux avec ses voisins européens, la mode suisse reflète à la fois ses influences internes (paysannerie, costumes traditionnels, bourgeoisie et élite locale, etc.) et les nombreuses incursions extérieures au cours des derniers siècles.

Jusqu'au XIX^e siècle, les fils de paysans partis faire la guerre à travers l’Europe rapportaient notamment les nouveautés vestimentaires. Le chapeau tricorne que certains portent encore aujourd’hui dans le canton de Neuchâtel rappelle que la région fut, jusqu’en 1848, une principauté prussienne et que l’élite locale résidait volontiers dans ses campagnes. De même pour certaines étoffes «à la milanaise» (fichu) ou «à la bourguignonne» (grande blouse bleue en lin) adoptées par les habitants du Gothard ; ainsi que pour les chapeaux enrubannés, adoptés au XVIII^e siècle dans le Valais, d'une mode parisienne.

À la fin du XVIII^e siècle, les soieries et textiles représentent la majeure partie des exportations suisses.

La diversité des vallées et des traditions suisses en fait l'un des plus riches de la francophonie^{[source secondaire nécessaire]}.

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  Costume de garde suisse du Palais des papes, Avignon, XV^e siècle.

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  Costume de la Garde Suisse Pontificale XVI^e siècle.

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  Les costumes de la garde suisse vaticane auraient conservé la plupart de leurs attributs médiévaux.

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  Noble suisse du XVI^e siècle.

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  Jeune Femme du canton de Soleure, XVIII^e siècle.

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  Fruitière du canton de Vaud, XIX^e siècle.

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  Habitant du Valais, XIX^e siècle.

Voir aussi

Articles liés

• Entreprise du patrimoine vivant
• Économie de la francophonie

Pages externes

• Augustin Challamel : Histoire de la mode en France : la toilette des femmes depuis l'époque gallo-romaine jusqu'à nos jours, 1875 lire en ligne
• Emmanuelle Lallement : « Frenchness in the city » : l’imaginaire du luxe hexagonal dans le monde marchand globalisé. In : Communications, 111, 2022. L’état du luxe. pp. 61-74 lire en ligne.

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